Si la définition d'un auteur est un réalisateur dont la paternité est évidente à partir de son style de cinéma signature - à tel point que vous pourriez théoriquement identifier leurs films sans voir un crédit de nom - alors Terrence Malick est un candidat gagnant pour le titre. Si rien n'est fait, le style de voix off chuchotées de Malick et de scènes de nature parfaitement cadrées peut être envahissant. Ces dernières années, il est tombé en disgrâce, gagnant des critiques de plus en plus mitigées… en proportion directe, semble-t-il, de la façon dont il est devenu nouvellement prolifique.
Depuis le pic de fin de carrière L'arbre de la vie en 2011, Malick a considérablement augmenté sa production, sortant une succession rapide de films. Certains ont accusé ces films de jouer à peine plus que des publicités prolongées de Cologne, avec des stars de cinéma gambadant sur la musique classique. Il fut un temps, cependant, où un film de Terrence Malick était plus un événement, un événement qui ne pouvait se produire qu'une fois toutes les deux décennies. Après avoir dirigé deux nouveaux films hollywoodiens dans les années 1970, Badlands et Jours célestes , Malick est en effet resté en pause pendant vingt ans.
Nous sommes maintenant encore vingt ans loin de son film de retour, l'épopée de la Seconde Guerre mondiale parsemée de stars, La fine ligne rouge . Soutenu par une grande partition de tous les temps de Hans Zimmer, le film est sorti en édition limitée à la fin de décembre 1998. Les années n'ont pas amoindri l'effet de sa poésie visuelle. Il s'agit d'un film qui joue comme une prière, sondant la dualité de l'esprit humain, montrant les luttes de nombreux personnages alors que la guerre et Mère Nature se déroulent indifféremment autour d'eux. Martin Scorsese avait raison : c’est l’un des meilleurs films des années 90.
La fine ligne rouge est un film plein de symbolisme. Il s'ouvre sur l'image d'un crocodile se submergeant dans une eau verte trouble. Alors que le reptile à sang froid plonge la tête sous la surface, la musique gonfle et nous passons à une scène différente, avec une lumière filtrant à travers la cime des arbres alors qu'une voix off folklorique demande: «Quelle est cette guerre au cœur de la nature?»
C’est une question en couches, qui pourrait tout aussi bien parler de la nature humaine. Tout au long du film, nous verrons de multiples juxtapositions de personnes contre un environnement à la fois beau et dur. Avant que ce ne soit fini, des soldats triomphants se rassembleront autour du crocodile maîtrisé, comme s’ils avaient une brève maîtrise de leur âme d’agression uniquement parce qu’ils avaient pu affirmer leur domination sur le paysage et sur leurs semblables.
Le cadre est Guadalcanal, où les navires de guerre pénètrent dans un paradis terrestre peuplé de chanteurs indigènes. C'est ici que nous rencontrons l'AWOL Private Witt, joué par Jim Caviezel. Witt est la chose la plus proche que le film a d'un personnage principal.
Ce fut une performance exceptionnelle pour Caviezel. Quelques années plus tard, il incarnerait Jésus dans La passion du Christ. Ici, il est relégué au rôle du Christ résident dans son unité d’infanterie.
Ce n’est pas une comparaison inutile. En réfléchissant au «calme» dont sa mère a fait preuve sur son lit de mort, Witt semble prendre cette énergie en lui. Après avoir laissé derrière lui sa tranche de paradis insulaire et avoir repris ses devoirs en tant que brancardier, il devient lui-même une présence apaisante et chrétienne parmi ses camarades soldats. Le film le dépeint soulageant la souffrance des fantassins blessés, voyant une étincelle de bien même chez les individus les plus blasés, et finalement, sacrifiant sa propre vie dans un sacrifice final pour sauver les hommes de son unité.
C’est un pari sûr que Malick a lu Les raisins de la colère (qui était également le sujet d'un film classique ) parce que Witt tire également une citation directe de l’évangile humaniste du roman de John Steinbeck. Cette ligne où il dit: «Peut-être que tous les hommes ont une grande âme dont tout le monde fait partie», montre Witt hanté par le fantôme de Jim Casy, dont les initiales, comme celles de Jim Caviezel, correspondent à celles d’une certaine figure religieuse ...
Outre Caviezel, la vaste distribution d'ensemble de La fine ligne rouge se lit comme une liste des stars établies et des acteurs émergents du tournant du millénaire. Certains d'entre eux, comme John Travolta, Thomas Jane et George Clooney, n'apparaissent que dans une scène. D'autres, comme Tim Blake Nelson, Adrien Brody et John C. Reilly, avaient leurs rôles considérablement réduits , au point d'être des personnages mineurs. D'autres encore, comme Sean Penn, Nick Nolte, Woody Harrelson et John Cusack, sombrent dans des rôles où leur pouvoir de star alimente leur influence en tant qu'officiers.
D'autres visages familiers incluent Jared Leto, John Savage et Nick Stahl. Les deux derniers joueraient le père et le fils dans la série HBO Carnivale , qui a recyclé la composition «Journey to the Line» de Zimmer, tout comme la bande-annonce de Pearl Harbor et plusieurs autres bandes-annonces de films de haut niveau l'ont fait.
Malick a le goût du talent, il est un véritable limier pour les futures stars. Dans ses films, cependant, ce sont souvent les acteurs moins connus qui font la plus grande impression. Pensez à Linda Manz, la jeune narratrice de Jours célestes , ou Q’orianka Kilcher comme Pocahontas dans Le nouveau Monde. La fine ligne rouge est similaire à ces films en ce que certains de ses personnages les plus percutants sont joués par des acteurs dont les non-initiés pourraient devoir rechercher les noms sur IMDb.
Arie Verveen incarne le soldat Dale, qui colle des moitiés de cigarette dans les narines et ramasse les dents des morts de la guerre jusqu'à ce que les mots persistants d'un prisonnier de guerre japonais le frappent lors d'un rare moment d'introspection sous la pluie.
Il y a aussi la poupée privée de Dash Mihok, qui vole une arme de poing et s'enthousiasme à l'idée de faire son premier meurtre, pour être immédiatement confronté au peu d'importance de son grand moment dans le grand schéma des choses.
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Bien qu'il ait co-vedette la même année dans des films comme Déchu et Élève d'Apt , Elias Koteas était probablement mieux connu des enfants des années 90 pour avoir joué à Casey Jones en Tortues Ninja Teenage Mutant . Pourtant, son personnage, le capitaine Staros, possède l'un des arcs les plus touchants du film.
Staros n'est pas très respecté par ses hommes, mais il ne veut pas les voir mourir inutilement et désobéira à un ordre direct - mettant ainsi en péril son propre statut d'officier - de les sauver. Lui et son supérieur en colère, le colonel Tall, interprété par Nolte, ont tous deux la clôture et une sortie cérémonieuse du film. Ce genre de netteté ressemble à quelque chose que les récits décousus de Malick des années 2010 seraient moins enclins à offrir.
Ben Chaplin donne une impression poignante à son intrigue secondaire en tant que soldat Bell, qui est soutenu par la folie de la guerre par les souvenirs de sa femme au pays. le Seigneur des Anneaux les fans pourraient reconnaître la femme comme Miranda Otto. Ici, elle prend une lueur angélique, reflétant d'autres femmes que Malick a encadrées dans la lumière naturelle des rideaux de fenêtre.
La fine ligne rouge nous emmène dans l’esprit de Bell, nous permettant d’entendre et de voir ses pensées et ses éclairs de mémoire. Les autres personnages reçoivent le même traitement. Les perspectives changeantes du film se résument à une vision de Dieu de la vie individuelle posée contre la tapisserie de la guerre, où l’inhumanité de l’homme envers l’homme fait rage. D'où le chef de prière de Savage, choqué, marmonnant à Dieu: «Montre-moi comment voir les choses comme tu le fais.»
Comme pour souligner l’universalité de l’expérience humaine, on ne sait même pas à tout moment qui parle pendant La fine ligne rouge De nombreuses voix off. Certains d'entre eux viennent d'un personnage nommé Train, joué par un acteur inconnu nommé John Dee Smith, qui n'apparaît à l'écran que quelques fois pour consacrer le temps des soldats sur l'île. Même si vous avez activé le sous-titrage codé, la vue du nom de Train alors que sa voix désincarnée continue peut vous faire penser: «Attendez une minute, lequel est-il?»
Le dernier film de Malick, Chanson à la chanson , a eu un moment où il a apparemment coupé au hasard à un papillon battant des ailes. Cela pourrait sembler indulgents pour certains, mais La fine ligne rouge trouve un but dans des moments comme ça. Sur le champ de bataille, des brins d'herbes hautes ondulent dans le vent, révélant des serpents cachés et des oiseaux mourants, alors que des soldats américains gravissent une colline gardée par des bunkers de mitrailleuses japonaises.
Ces images ne sont pas plus absurdes que celle du crocodile. Se constituant comme des métaphores dans un poème, ils vivent au service du thème plus vaste de la sauvagerie de la Terre, à la fois du danger qu’elle représente pour nous et de la ruine infligée par la violence de l’humanité.
Parfois, le conflit se déroule de manière absurde, les hommes se faisant littéralement exploser le dos par des grenades. Cette absurdité s'étend au-delà du champ de bataille jusqu'aux luttes privées que les soldats endurent. La scène où Bell s'égare après avoir reçu une lettre de Dear John de sa femme aurait fait un appel au rideau approprié pour son personnage, mais la vie continue et quand nous le revoyons, il est obligé de continuer en tant que joueur de soutien malgré le traumatisme de abandon de conjoint.
Une chose qui définit La fine ligne rouge outre la mentalité du film muet des films Malick plus récents, il donne en fait à ses scènes de la place pour respirer et contient des échanges de dialogue significatifs. Le film jongle avec de nombreuses intrigues secondaires, mais il y a une progression assez logique des scènes. Aussi lyrique que cela soit, ce n’est pas seulement un montage sans fin d’images animées dispersées.
Les scènes de dialogue entre Witt et le personnage de Penn, le sergent Welsh, forment l’épine dorsale philosophique de La fine ligne rouge . Witt est l'idéaliste qui regarde vers le ciel mais doit affronter la réalité de la guerre qui entache même le village mélanésien local où il s'est sublimement réfugié au début du film. Le gallois est le matérialiste - non pas dans le sens de valoriser les possessions, mais dans le sens de croire à la matière pure: ce monde, ce rocher.
Il ne se sent seul que «autour des gens». Coupé des autres par le cal d'amertume qui s'est formé autour de lui-même fatigué, Welsh épouse le pessimisme quant au bien que toute personne peut faire. Ceci est caractérisé par sa première ligne: «Dans ce monde, un homme lui-même n'est rien. Et il n’y a pas de monde à part celui-ci. »
Pendant tout ce temps, cependant, Welsh fait face à la douleur sans réponse qu'il voit dans le monde en s'accrochant à une sorte de vision existentialiste. Puisque rien ne compte, un homme comme lui ne peut que garder la tête baissée et «se faire une île». Le film reconnaît son point de vue mais utilise Witt comme une feuille pour illuminer la gloire invisible qui pourrait être là-bas, le trafic d'oiseaux négligés dans le ciel.
Il y a une vieille citation qui dit: 'Soyez gentil, car tout le monde que vous rencontrez mène une dure bataille.' La fine ligne rouge remixe cela dans le slogan de l'affiche, 'Chaque homme se bat sa propre guerre.' Utiliser la guerre et la nature comme une vaste toile pour explorer la vie intérieure des individus confère à ce film une intimité et une puissance qui le rendent inoubliable.
