(Cet article fait partie de notre Le meilleur de la décennie séries.)
Dans une tournure surprenante des événements, assembler une liste des plus grands films de science-fiction des dix dernières années s'est avéré plus difficile que ce que j'avais initialement évalué. La raison, cependant, n'est pas parce qu'il n'y avait pas assez de personnages de science-fiction pour évoquer une liste, mais plutôt, bien au contraire. Après un examen attentif, il s'avère qu'il existe une pléthore de gemmes remarquables sous-vues, ce qui fait du véritable défi de réduire cette liste à un simple top dix.
Celui que j'aime est un jeu de banlieue moderne sur des événements cosmiques qui rendrait Rod Sterling fier. Évolution est une fable d'une beauté dévastatrice sur les jeunes garçons d'un village français éloigné qui deviennent des créatures marines, un commentaire sur la puberté masculine capturé à travers La couleur étrange des larmes de votre corps L'œil méticuleux du DP Manuel Dacosse. Justin Benson et Aaron Moorhead L'infini joue comme un film culte folklorique trippant des années 70 qui suscite un débat sur le cycle sans fin des relations toxiques. Yorgos Lanthimos » Le homard ne ressemble à aucun autre film que j’ai jamais vu. Grabbers est une comédie tumultueuse et tout à fait unique dans laquelle la seule arme accessible contre une invasion extraterrestre dans une ville irlandaise éloignée est beaucoup d'alcool. Bong Joon-ho's Snowpiercer et D'accord sont à la fois de nouveaux ajouts passionnants au genre et de Spike Jonze Sa sert non seulement de satire sur la dépendance croissante de la société vis-à-vis des téléphones cellulaires, mais aussi, un regard sur les relations en général dans notre climat actuel et les façons dont nous cachons nos émotions même à nous-mêmes.
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Malheureusement, seulement dix places ont été attribuées à cette pièce, ce qui est, pour le dire simplement, très difficile. C’est pourquoi j’ai décidé de ne pas inclure de Guerres des étoiles ou les films Marvel Cinematic Universe sur cette liste. Pour moi, la science-fiction consiste à renforcer une réalité déjà ancrée et quelque peu crédible, alors que les méga franchises de Disney sont davantage une rupture complète avec la réalité. Les deux parcours permettent de réaliser des films divertissants, mais dans un souci de clarté, j'ai choisi d'omettre tous les films de la maison de la souris.
Sans plus tarder, voici mes dix meilleurs films de science-fiction de la décennie - une liste qui, plutôt involontairement, a beaucoup de films dirigés par des femmes en remorque. Craquez pour ce que vous voulez.
10. Aniara
Initialement prévu pour transporter les colons de ce qui reste de la Terre éviscérée jusqu'à leur nouvelle maison sur Mars, le navire Aniara dévie de sa trajectoire lorsque des débris spatiaux malheureusement chronométrés obligent le capitaine à jeter le reste du carburant restant de la structure, transformant leur passage initial de trois semaines dans un voyage sans fin de plus en plus profond dans l'immensité de l'espace. Basé sur un poème épique de science-fiction des années 1950, le mot «Aniara» vient du grec ancien, signifiant «triste» ou «désespéré». Un titre approprié, cette adaptation de 2018 des réalisateurs Pella Kågerman et Hugo Lilja est un regard désespérément sombre sur le vide d'espace profondément troublant et sur la façon dont l'homme n'est pas préparé à faire face aux éléments dans un territoire aussi inexploré. De petites distractions sous la forme d'emplois stables, de centres commerciaux et d'une machine monolithique nommée Mima aident les passagers à bord du vol condamné à maintenir leur santé mentale pour le moment, mais à mesure que les jours se transforment en mois et que les mois se transforment en années, leur le comportement devient plus erratique. Conduite obscène. Auto destruction. Cultes religieux. Orgies peu orthodoxes. Totalitarisme vicieux. L'obscurité découverte enfouie au plus profond du cœur de ces résidents de plus en plus sans âme vient surpasser tout vide trouvé à l'extérieur de ces murs, rivalise avec toute terreur cachée dans les coins les plus sombres du noir infini.
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9. Désolé de vous déranger
La satire sauvage de Boots Riley sur le capitalisme se brûle dans le cerveau par le biais de choix narratifs et esthétiques audacieux. Joué par un LaKeith Stanfield cool mais maladroit, Cassius Green a du mal à joindre les deux bouts dans son travail de télémarketing jusqu'au jour où un appelant vétéran passe sur un changeur de jeu: utilisez votre voix blanche. Exprimée littéralement par un homme blanc - David Cross, pour être exact - cette chute férocement originale dans un terrier de commerce de plus en plus étrange commence par la réalité accrue d'un domaine futuriste où l'esclavage moderne est vendu sous la forme de logements `` WorryFree '', et à partir de là, plonge dans les profondeurs dans un monde où les PDG transforment leurs meilleurs ouvriers en hommes de cheval, tout cela au nom de produire un produit plus rapide. Un regard brillant et fougueux sur où l'avenir de la science-fiction peut aller, le showstopper rebelle de Riley est à la fois un commentaire sur l'état actuel de la gentrification dans la région de la baie et un récit édifiant de ce que les enfers fébriles nous attendent avec la classe moyenne toujours en baisse monstres au sommet appelant les coups.
8. Vie élevée
L'Amérique n'avait même pas encore atterri sur la lune lorsque Stanley Kubrick s'est déchaîné 2001: Un espace Odyssée sur la scène en 1968, offrant ainsi un regard sur l'avenir qu'aucune boule de cristal ne pourrait évoquer. De la même manière, la réalisatrice Claire Denis passe du numérique à la lunette 35 mm au moment crucial où son père et sa fille fous de fièvre de la cabine se félicitent de l'oubli, projetant une image d'un trou noir rougissant sur l'écran quelques semaines à peine avant que des scientifiques de la vraie vie ne présentent un résultat étonnamment similaire. spectacle des mêmes phénomènes de l’espace lointain. Prophètes de leur temps, Kubrick et Denis présentent des œuvres d'art patientes, méthodiques et stimulantes, un peu trop avancées pour l'époque dans laquelle ils résident. Mettant en vedette Robert Pattinson dans certains de ses meilleurs travaux à ce jour, cette descente rituelle hyper sexuelle dans le délire est celle que vous devez regarder dans le noir.
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7. Attaquez le bloc
Avant de sauver la galaxie, John Boyega était occupé à sauver le bloc. Lorsque le ciel commence à pleuvoir des Gollums dans les rues de Grande-Bretagne, un groupe de voyous du quartier se charge de tuer les envahisseurs de l'espace en utilisant les meilleures armes qu'ils peuvent trouver - une batte de baseball, un pistolet à eau, une machette et un patin à glace. . Rehaussé par une partition de Steven Price - le même compositeur que Cuarón La gravité - Le premier film de Joe Cornish trouve sa force dans ses plaisanteries pointues et attachantes lancées dans les deux sens entre les garçons, qui deviennent plus humains à chaque interaction extraterrestre, et ses effets pratiques extrêmement impressionnants à petit budget et sa conception de personnage unique. Des extraterrestres avec des dents sombres, sans yeux et avec une fourrure noire rugueuse? Un endroit silencieux , mange ton cœur.
6. Gravité
Ancrée par la performance remarquable de Bullock, la descente profondément personnelle d'Alfonso Cuarón dans l'exploration spatiale est le rare film de science-fiction qui trouve réellement la peur dans l'environnement lui-même, plutôt que de s'appuyer sur la réaction humaine à un isolement prolongé. À travers des plans POV à la première personne capturés par l'œil talentueux d'Emmanuel Lubezki et une partition de plus en plus paranoïaque de Steven Price, nous avons l'impression d'être, nous aussi, piégés dans un voyage infernal de délire croissant et de circonstances insondables. Ryan Stone de Bullock est un ingénieur médical brillant qui se sépare de son équipage et doit retrouver son chemin sur terre avant de manquer d’oxygène. Coquille d'une personne émotionnellement indisponible, cette mère en deuil n'a pas ressenti la précipitation d'une destination depuis que sa fille est décédée dans cet accident de terrain de jeu. Depuis lors, sa nature de pilote automatique l'enregistre à peine comme plus vivante que la petite fille qu'elle a perdue. Lorsque sa toute première mission de navette est interrompue par une tempête d’éclats d’éclats spatiaux, Ryan doit prendre la décision entre s’enterrer avec son deuil ou gagner du temps pour renforcer ce qui reste de sa psyché endommagée à la maison, pour reconstruire, pour renaître.
5. Sous la peau
Il est difficile de penser à une image de cette décennie aussi agressivement influente que celle de Scarlet Johansson, enlevant ses vêtements, s'éloignant de manière séduisante de la caméra dans une mer de noir tandis qu'un homme nu naïf la suit bêtement derrière elle, s'enfonçant dans le sol, jusqu'aux coudes dans l'obscurité. Le chef d’œuvre de Jonathan Glazer en 2013 n’a peut-être pas fait sensation au box-office lors de sa sortie initiale, mais au fil des ans, ce drame expérimental tragiquement sous-estimé a trouvé son propre petit culte, s'infiltrant penaudement dans les facettes du courant dominant. Que ce soit la conception de la production des scènes de «vide» sensorielles privées d’Eleven dans Choses étranges , ou l'échantillon - et soyons honnêtes, parfois simplement arnaqué dans certains projets - Mica Levi marque dans des programmes comme histoire d'horreur américaine , ce chouchou indépendant dirigé par ScarJo n’est pas seulement un film brillant, il a indéniablement changé le look de la science-fiction pour les années à venir. La mystérieuse pièce noire où les victimes sont littéralement aspirées à sec. La dynamique de genre fluctuante démontrée par le biais de proies devenues prédateurs. Les cordes hurlantes toujours curieuses qui rehaussent le son de chaque regard affamé d'une femme traquant des hommes vulnérables. Le scénario de fantaisie de réalisation de souhaits dans lequel une femme se débarrasse à elle seule des mecs qui supposent qu'elle leur doit quelque chose en existant simplement (bonjour Jeune femme prometteuse ). Il n’ya pas un seul morceau de ce film qui n’ait laissé une empreinte sur l’état du cinéma tel que nous le connaissons aujourd’hui.
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4. Ex Machina
Un test de Turing mijoté, étalé sur une semaine, se transforme en un jeu dangereux. En train d'essayer de déterminer si oui ou non A.I. d'Alicia Vikander Ava passe pour un humain, le codeur agité de Domhnall Gleeson, Caleb, commence à se demander s'il est celui qui est testé. Initialement ravi à l'idée de passer du temps privé avec le petit génie Nathan (Oscar Isaac), un homme que Caleb compare à Mozart, le prodige arrive dans la propriété de montagne insaisissable du PDG, désireux de faire partie de tout ce sur quoi le cerveau travaille actuellement, inconscient. que son idole ne fait que construire de jolis prisonniers pour son château. À travers des sessions de plus en plus intenses entre Caleb et Ava, le premier film d’Alex Garland explore sans vergogne les questions qui ont longtemps tourmenté l’humanité - La conscience rend-elle une personne humaine? La connaissance peut-elle exister sans interaction? Est-il moralement sain de créer une vie qui existe faiblement comme de la poussière dans le vent, jugée finalement consommable? Un conte étonnamment féministe, soutenu par une performance tendue et multicouche de Vikander et une séquence de danse inoubliable d'Isaac et Sonoya Mizuno, ce joyau caché utilise ce qui arrive à la machine girl de Vikander comme une histoire d'origine - la question est de savoir si elle est le héros ou le méchant?
3. Arrivée
Au début du drame dense et extrêmement puissant de Denis Villeneuve, le mathématicien tendu de Jeremy Renner récite un passage - au visage de la femme qui l'a écrit, pas moins, la Dre Louise Banks d'Amy Adams - avec un air de dégoût, résumant au hasard le tout le chronomètre d'un seul coup: «La langue est le fondement de la civilisation. C'est le ciment qui unit un peuple. C'est la première arme tirée dans un conflit ». Lorsque douze obus volants non identifiés atterrissent inexplicablement à divers endroits à travers le monde, le linguiste Banks est amené à bord du navire extraterrestre à gravité zéro par l'armée américaine pour tenter de communiquer avec les «heptapodes» inventés et de rechercher le but de leur arrivée. Banks a du mal à appeler les mains amputées flottantes géantes aux doigts allongés par leur catégorisation appropriée - les extraterrestres - et il est facile de comprendre pourquoi. Il s'agit d'une expérience cathartique ancrée sous les traits d'un film extraterrestre hollywoodien flashy parsemé d'étoiles. Une classe de maître dans la construction du monde, cet étonnant de 2016 est le réalisateur Villeneuve au sommet de son art, utilisant le grand mécanisme d'enquête sur les créatures de l'espace comme un véhicule pour livrer un sentiment très personnel sur l'amour inconditionnel et le pouvoir de l'empathie sous la forme. de la langue.
2. Mad Max: Fury Road
Dents chromées polies avec un spray d'argent. Un sprint exaspéré non-stop vers Valhalla. Des cris primordiaux implorant d'être vus embuer l'air du désert. Un dictateur totalitaire croustillant plus machine que l'homme. Une poche de sang humain littérale. Des guitares lancées par des flammes plumées par des fous dystopiques. Des voitures couvertes de pointes déclenchant des feux d'artifice de couleur cramoisie dans un temps couvert éternel. Déesses guerrières amputées refusant d'être des choses. Un homme réduit à un instinct: survivre. C’est le monde de Max, son feu et son sang. À une époque où les gros blockbusters ennuyaient le public aux larmes avec des pixels surexploités et des graphismes générés par ordinateur à gogo, le cinéaste légendaire de soixante-dix ans George Miller est entré en scène avec un retour radical à son Mad Max franchise et a montré à tous les enfants comment c'était fait. Situé à une époque où les guerres de l'eau contrôlent le récit, le dernier de Miller n'est pas seulement un triomphe des effets pratiques à huis clos, mais aussi un précédent pionnier en passant le flambeau à la femme armée qui a un meilleur objectif que l'arrogant prisonnier valide qu'elle est. a accepté à contrecœur d'autoriser en tant que passager les portes de l'enfer.
1. Annihilation
À mi-chemin du deuxième long métrage mystifiant d'Alex Garland, il y a une scène dans laquelle un ours muté avec un crâne humain pelé crie au visage d'un biologiste bâillonné et ligoté, criant méchamment avec la voix de la femme que la bête vient de tuer. Entre de mauvaises mains, un moment comme celui-ci pourrait virer dangereusement dans le territoire schlocky du film B, mais sous les soins de Garland, cela semble à la fois stupéfiant et spécifique. Une réalité impossible piégée dans un écho cauchemardesque. La réalisatrice Garland adapte vaguement le roman du même nom de Jeff Vandermeer, le film suit Lena culpabilisée de Natalie Portman alors qu'elle se lance dans une mission suicide dans le miroitement, une enceinte extraterrestre fantaisiste sur terre dont personne ne revient jamais. Lorsque son mari militaire disparu rentre chez lui de son affectation secrète pour la première fois en un an avec une défaillance d'organes multiples, Lena est tellement soulagée et tourmentée par ses infidélités qu'elle prend sur elle de faire le voyage à travers l'étrange environnement qui a réclamé son amant. , dans l'espoir de trouver une sorte d'antidote pour restaurer l'homme qu'elle a connu une fois. Plus Lena s'aventure profondément dans le miroitement, plus elle embrasse à la fois physiquement et métaphoriquement un voyage vers l'intérieur. Reste à savoir si elle pourra ou non échapper à l'étrange prison du prisme, mais comme un cancer, l'expérience de son voyage laissera inévitablement Lena irrévocablement changée. L'étude de Garland sur la difficulté d'être un humain est une exécution étonnante du cinéma à la fois au niveau narratif et visuel, offrant des effets visuels vraiment révolutionnaires, tout en maintenant un thème universel de la tendance de l'humanité à l'autodestruction dans ses nombreuses itérations.
