La guerre est un enfer mais elle sert parfois de toile de fond à de grands films. le sortie récente de Blu-ray de 1917 , suivie parle 50e anniversaire, cette semaine, de l'Oscar Patton , avec George C. Scott,est une bonne excuse pour les cinéphiles de se pencher dans les tranchées d'un marathon de films de guerre impromptu (surtout si vous êtes coincé chez vous en ce moment en raison de la pandémie de coronavirus en cours).
Dans cet esprit, voici une mission pour vous, soldat: parcourez cette liste chronologique des meilleurs films de guerre des cinquante dernières années. «Best» est ultra-subjectif, bien sûr, mais lorsque vous êtes Alamo-ed dans un fort d'oreillers dans votre salon et qu'il n'y a rien de bon à la télévision, peu de ces films devraient décevoir.
Qu'est-ce qui définit un film de guerre?Il existe de nombreux films de qualité, se déroulant en temps de guerre, où le drame se déroule de manière tangentielle au conflit principal sur le champ de bataille.. Le film d'anime Le tombeau des lucioles, par exemple, montre l'impact dévastateur de la Seconde Guerre mondiale sur la vie de civils japonais, en particulier de deux enfants.Cette liste se concentre moins sur les drames historiques adjacents à la guerre (Les occidentaux aiment Dance avec les loups, ou même des drames de l'Holocauste comme La liste de Schindler inclus dans cette définition)et estplus axé sur les films où l'action se déroule en première ligne du conflit militaire.
Steven Spielberg a dit un jour: «Chaque film de guerre, bon ou mauvais, est un film anti-guerre.» D'autres ont soutenu que le contraire est vrai et chaque film de guerre est un film pro-guerre . leles films de cette liste parlent de soldats au combat, mais ils ne sont pas nécessairementguerre - même si certains d'entre eux s'égarent dans un sens unilatéral.
Avoir un protagoniste et un antagoniste est pratiquement inévitable dans la narration, même postmoderne, de type perspective qui ne repose pas sur des sympathies fixes. Cependant, il y a une ligne fine entre être patriotique et propagandiste. Ce qui nous intéresse ici, ce ne sont pas des films d’outil de recrutement qui glorifient explicitement une cause suspecte, minimisant l’humanité de l’ennemi au profit de l’exceptionnalisme américain rah-rah. Le pain et le beurre de cette liste, ce sont plutôt des histoires centrées sur l'humain qui se déroulent dans le soi-disant «théâtre de la guerre».
1. Patton (1970)
Patton est peut-être le plus connu pour son discours d'ouverture , où George C. Scott - dans le personnage du général éponyme de la Seconde Guerre mondiale - se tient en uniforme devant un drapeau américain géant. «Les Américains n'ont jamais perdu et ne perdront jamais une guerre», dit-il à ses troupes hors écran. Le jingoïsme assuré de ces mots prend une nuance d'ironie lorsque l'on considère que les cinéphiles ont vu cette scène pour la première fois alors que les États-Unis étaient embourbés dans une guerre perdue au Vietnam.
En 1970, alors que cela se passait à l'étranger, la 20th Century Fox était occupée à distribuer des films de guerre classiques sur le front intérieur. Janvier a vu la sortie de Robert Altman PURÉE , qui a suivi les médecins de l'armée «arrachant les rires et l'amour entre les amputations et la pénicilline» pendant la guerre de Corée. PURÉE a remporté une nomination aux Oscars pour le meilleur film, mais il a perdu le prix au profit de Patton , tandis que Scott a refusé sa propre victoire du meilleur acteur. (Sur cette liste, nous comptons à partir du début avril 1970, lorsque Patton atterri dans les cinémas, sinon PURÉE ferait sûrement la coupe aussi.)
Le réalisateur Franklin J.Schaffner était tout juste après le succès de Planète des singes quand il a barré Patton . Le scénariste Edmund H.North avait également une formation en science-fiction, ayant écrit Le jour où la terre s'arrêta . Il a co-écrit le scénario avec Francis Ford Coppola,qui a seulement réussi à sauver son emploi sur Le parrain à cause du succès de ce film.
Patton est autant une étude de personnage qu'un film de guerre. Comme d'autres officiers excentriquesnous allons bientôt nous rencontrer, te général est un poète-guerrier, il croit en la réincarnation. Les sons de trompette en boucle lui rappellent sa vie passée, il y a environ deux mille ans, alors qu'il sort de sa jeep et se promène parmi les ruines d'une ville où les Romains et les Carthaginois se sont battus. Pourtant, l'orgueil l'empêche dans cette vie et, à la fin, il doit se demander comment «toute gloire est éphémère».
deux. Le chasseur de cerfs (1978)
«C'est ça.» Après la fin de la guerre du Vietnam en 1975, Hollywood a commencé à aborder la guerre de manière plus frontale. 1978 a été l’année où des films comme Hal Ashby Rentrer à la maison et Michael Cimino Le chasseur de cerfs a commencé à pénétrer le marché grand public. Les deux films ont confronté les effets psychologiques de la guerre sur les soldats américains. Lors de la 51e cérémonie des Oscars, ils ont dominé les grandes catégories, avec Le chasseur de cerfs remportant les prix du meilleur film, du meilleur réalisateur et du meilleur acteur dans un second rôle pour Christopher Walken.
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Il n'y a pas beaucoup de base historique pour que le Viet Cong soumette les prisonniers de guerre à des jeux de roulette russes. cependant, Le chasseur de cerfs est moins préoccupé par l'histoire et plus préoccupé par le bilan du stress traumatique sur les types de la classe ouvrière (dans ce cas, les métallurgistes), qui ont été plongés dans des situations de vie ou de mort alors qu'ils expédiaient à l'étranger pour se battre pour leur pays. La roulette russe et les tripots de Saïgon, où de vieux amis rencontrent leur destin de la pire des manières possibles, ne sont que des substituts au hasard et au chaos brutal de la guerre.
Le chasseur de cerfs a poursuivi la séquence de victoires consécutives des années 70 - commencée par Rues moyennes , Le Parrain II , et Conducteur de taxi - qui a aidé à cimenterLa réputation de Robert De Niro comme le plus grand acteur de sa génération. C’était le dernier film de John Cazale avant sa mort et c’était le film qui a valu à Meryl Streep la première de ses nombreuses nominations aux Oscars. Cela a également renforcé le profil de John Savage, dont le personnage subit un voyage déchirant de son propre mariage à une cage en bambou remplie de rats de rivière jusqu'à un hôpital VA où il a eu les deux jambes amputées. Après avoir regardé ce film, vous aurez une boule dans la gorge chaque fois que vous entendrez «Je ne peux pas vous quitter des yeux».
3. Apocalypse maintenant (1979)
Apocalypse maintenant est le point culminant d'une décennie de cinéma New Hollywood, lorsque des réalisateurs comme Francis Ford Coppola, William Friedkin et Peter Bogdanovich étaient à l'apogée de leur règne artistique, se rencontrant aux feux rouges et clamant leur succès critique et commercial depuis le toit ouvrant de stretch limousines. Les gosses de cinéma des années 1970 avaient leur chef de meute non officiel à Coppola, dont l'odyssée cinématographique de la rivière-à travers le Vietnam et dans la nature sauvage du Cambodge - porte un poids symbolique qui s'étend au-delà du genre de film de guerre dans l'histoire d'Hollywood et le cœur des ténèbres lui-même.
Dans Apocalypse maintenant , le public monte à bord d'un bateau de patrouille pour une balade à travers le monde souterrain, où il rencontre des attaques d'hélicoptères wagnériens, des surfeurs et des soucoupes, des tigres de la jungle, des playmates dansants Playboy, des massacres de sampans, des chiots, l'idolâtrie païenne de colonels fous, T.S. Citations d'Eliot et sacrifices rituels de buffles d'eau. La brume violette et l'odeur du napalm engagent les sens alors que le film pousse ses personnages au bord du gouffre, un peu comme Coppola l'a fait avec lui-même et son casting.
Les nombreux problèmes de production du film sont devenusl'étoffe de la légende hollywoodienne. Coppola a été victime d'une dépression nerveuse, menaçant trois fois de se suicider. L'acteur principal Martin Sheen a subi une crise cardiaque provoquée par l'alcoolisme. (Le tournage de l'intro de la chambre d'hôtel a eu lieu le jour du 36e anniversaire de Sheen alors qu'il était ivre). L'acteur de soutien Dennis Hopper aurait reçu de la cocaïne par les canaux officiels pour alimenter sa performance en tant que photojournaliste américain devenu acolyte fou du colonel Kurtz. Marlon Brando - l'ancien de Coppola Parrain collaborateur, que le réalisateur a réenrôlé pour jouer Kurtz - avait également ses propres vices, qui dictaient le tournage du film. Il s'est présenté sur le plateau si en surpoids qu'il a dû être habillé de noir et filmé du cou vers le haut ou dans l'ombre, en utilisant un corps double.
star wars force réveille la scène de fin
Ils menaient leur propre guerre cinématographique, le genre où de vrais cadavres humains aurait pu apparaître comme des accessoires . C'était de la pure folie, mais cela a abouti à l'un des plus grands films de tous les temps. Coppola et Hollywood ne seraient plus jamais pareils.
Quatre. Le bateau (1981)
Si La chasse à octobre rouge et marée rouge sont les premiers titres qui vous viennent à l'esprit lorsque vous pensez 'film sous-marin', alors il y a de fortes chances que vous n'ayez pas encore expérimenté Le bateau . L'épopée de 3 heures de Wolfgang Petersen nous emmène à bord d'un U-boot allemand pendant la Seconde Guerre mondiale, où l'existence difficile des marins existe à une distance sévère de la politique obscure du monde de surface. Les principaux acteurs du film ont doublé leur propre voix en anglais pour la sortie aux États-Unis. Jürgen Prochnow, connu des fans d'horreur sous le nom de Sutter Cane dans Dans la bouche de la folie , joue le rôle du capitaine blasé du U-boat, qui raille contre ses maîtres à Berlin et leur propagande radio vide et qui aiguille le nazi sur son sous-marin pour sa sous-estimation flagrante de Winston Churchill.
À un moment donné, les membres de l'équipage du sous-marin - barbus et cheveux mouillés, habillés comme de vrais marins - pénètrent dans l'environnement extraterrestre d'un dîner luxueux à bord d'un autre navire, où des officiers en uniforme et nets les accueillent comme des «héros» avec le Sieg Heil saluer. Le contraste entre ces officiers et les marins sous-marins est frappant. Les hommes du bateau (traduction anglaise de Le bateau ) représentent la triste réalité de ceux qui combattent les guerres menées par les politiciens.
Les charges de profondeur rock Le bateau et sa coque grince de façon inquiétante, menaçant de s'effondrer, alors qu'il teste les limites de la profondeur à laquelle il peut plonger. Le bateau s'aventure plus loin de la carte que la plupart des films de guerre, vers un endroit dans les eaux internationales où les nationalités n'ont plus d'importance. Il ne reste qu'une humanité commune, éprouvée par des conditions exténuantes. Prochnow se réunirait plus tard avec Petersen pour Air Force One , jouant le dictateur étranger dont la capture a déclenché Les films Die-Hard -intrigue étrange.
5. Section (1986)
Section venait d'un endroit personnel dans lequel le scénariste-réalisateur Oliver Stone était un vrai vétérinaire du Vietnam, quelqu'un qui avait servi dans l'armée américaine pendant la guerre. Le slogan du film est «La première victime de la guerre est l'innocence», et cela explique comment Stone aborde son sujet. Un jeuneCharlie Sheen (alors, juste rempli de sang d'un petit tigre )joue le rôle de Chris Taylor, un fantassin aux yeux écarquillés qui se fait prendre entre les forces opposées de ses deux sergents de peloton, Elias et Barnes. Willem Dafoe joue Elias et Tom Berenger joue Barnes, le film leur a valu deux nominations aux Oscars pour le meilleur second rôle.
Elias se pose torse nu sur un hamac dans le monde souterrain, une huche décorée de lumières de Noël où les hommes sucent des bangs et dansent sur la musique de Motown. Jefferson Airplane et Smokey Robinson remplissent l'air et Elias canalise une phrase de Janis Joplin: 'Se sentir bien, c'est assez bien.' Pendant ce temps, Barnes et ses hommes commettent des crimes de guerre, tirant sur des villageois innocents et participant à des viols collectifs. Dans ce contexte, Chris - venu au Vietnam en tant que volontaire, dans l'espoir de se découvrir et de ne pas être «un faux être humain» - subit un voyage traumatisant de l'innocence à l'expérience.
Section était la réponse de Stone au film pro-guerre de John Wayne Les bérets verts . Son thème musical, Adagio pour cordes , évoque des images immédiates d'un décollage d'hélicoptère où un homme sort trop tard de la jungle en courant. Des scènes comme celle-ci ont fait leur chemin dans l'imaginaire collectif et restent une partie indélébile de l'histoire du cinéma. En 1989, Stone reviendrait sur la toile du Vietnam avec Né le 4 juillet , qui a mis en lumière le sort des anciens combattants qui revenaient de la guerre.